Художественная обработка фотографий и здравый смысл в единице потерянного времени
Почему многие не умеют обрабатывать фотографии или обрабатывают неправильно, тратя много времени?
Проблема кроется в подходе, который опосредованно поддерживается достаточно вредными ресурсами вроде фотомонстра или лайтрум ру.
Десятки сайтов рассказывают, как нужно обрабатывать и какой слайдер нужно сдвинуть.
Но кто-нибудь говорит, когда нужно обрабатывать и как обрабатывать?
Или зачем обрабатывать? Где остановиться в обработке?
Нет.
Они не рассказывают про это.
Все обучение обработке снимков сводится к рассказу об установке пресета или про то, как двигал слайдеры лайтрума некий фотограф, обрабатывая свой снимок.
Но зачем он их двигал и почему, вы не узнаете.
Статья не содержит готовых рецептов или пресетов. Но она содержит основополагающие моменты, которые помогут вам понять, что нужно обрабатывать, когда нужно и чем обрабатывать.
Как научится художественно обрабатывать
Если абстрагироваться от фотографии как цельного объекта и разложить ее на составляющие, то окажется, что в основе любого снимка лежит две составляющие:
- Составляющая тона
- Составляющая цвета
Основная задача обработки сводится к пониманию проблем тона, проблем цвета и осознанию того, что вы хотите видеть в итоге.
Опытные ретушеры или фотографы сперва обрабатывают тоновую составляющую, затем цветную. Это снижает риск появления дефектов обработки, силу их проявления и позволяет сохранить цвет более чистым.
Нельзя утверждать, что нужно обрабатывать только в этой последовательности. Исключения есть всегда. Но лучше придерживаться этого порядка действий при обработке.
С чего начинать обработку фотографий
Рассматривайте отобранную фотографию до тех пор, пока не поймете, что вы хотите из нее сделать.
Не нужно бросаться двигать слайдеры или искать очередную подборку тысяча и одного пресета для начинающих.
Основной момент любой обработки это художественный замысел, который воплощается самой обработкой.
Не придумывается?
Оставьте этот снимок и рассмотрите другой.
В процессе своего обучения я заметил, что не могу понять, как обрабатывать простые проходные снимки.
После того, как я осознал, что они неинтересны мне самому, я перестал тратить на них свое время, исключив обработку.
Отсеивайте неинтересные снимки. Это второе, чему вы должны научиться.
Не тратьте время на обработку заведомо скучных снимков. Лучше снимите тот, который будет интересным, и который будет смотреться после обработки и ретуши.
Суть обработки заключается в подчеркивании положительных сторон кадра при сокрытии отрицательных, и удалении всего ненужного.
Основы обработки тона
Вы определились, что каким вы видите снимок после обработки?
Если да, то считайте, что большую часть работы вы уже сделали. Осталось понять, как достичь задуманного результата.
Оцените тоновую и цветовую составляющую снимка.
Что вам не нравится в тоновой части фотографии?
Она темная или излишне светлая? Она слишком контрастна или наоборот тусклая?
Какие-то участки более светлые и оттягивают внимание от главных объектов кадра?
Так исправьте это.
В любой программе для обработки фотографий, вроде Фотошопа, Лайтрума, Гимпа или Capture One, есть инструменты тоновой коррекции.
Я рекомендую использовать англоязычные версии программ. По мере углубления в изучение обработки, вы все чаще будете обращаться к англоязычным ресурсам, как более информативным, продвинутым и полезным.
Это инструменты или корректирующие слои:
- Кривые (Curves)
- Уровни (Levels)
- Экспозиция (Exposure)
- Яркость/ контрастность (Brightness/Contrast)
Наиболее гибким и сильным инструментом считаются Кривые (Curves). Именно их работу нужно изучить в первую очередь, поскольку кривой можно заменить все оставшиеся инструменты тоновой коррекции.
В лайтруме или Adobe Camera Raw для правки тона используют вкладку Basic (Базовая) и вкладку Tone Curve (Тоновая кривая).
Как изучить их?
На Ютубе есть десятки часов видео и сотни роликов по каждому инструменту тоновой коррекции или коррекции цвета для фотошопа, лайтрума и иже с ними.
Познакомьтесь с принципами работы каждого инструмента.
Не ищите готовые рецепты.
Просто изучите и поймите, как работают инструменты тоновой коррекции.
Основы обработки цвета
Реализации вашей задумки мешает излишне зеленая трава? Или на лицо модели попал синий рефлекс от одежды?
Инструменты коррекции цвета и цветовой насыщенности помогут вам.
Основные инструменты правки цвета с которыми вы будете встречаться чаще всего:
- Vibrance
- Hue/Saturation
- Color Balance
- Chanel Mixer
В лайтруме или Adobe Camera Raw для правки цвета используют вкладки HSL вместе с вкладками Saturation (Насыщенность) и Luminance (Светимость).
Цветовая теория
Для того чтобы понять, как работает цвет и как гармонизируются цвета, посмотрите это видео по теории цвета.
На мой взгляд, это один из лучших роликов по этой теме в русскоязычном сегменте Ютуба.
Работа с гармонизацией цвета немыслима без понимания круга Иттена.
Многие считают, что он не работает или работает не так, как им хотелось бы.
Уверяю.
В любом варианте это лучше, чем нечего.
Используя инструменты фотошопа или лайтрума, фотограф просто подгоняет цветовую составляющую снимка под свой художественный замысел.
Авторская обработка
Многие начинающие пытаются воспроизвести обработку известных фотографов, рыская в поисках пресетов этих фотографов.
Если вы изучите инструменты тоновой коррекции и коррекции цвета, то вам не потребуются пресеты.
Вы будете видеть и понимать, что сделано при авторской обработке, как сделано и чем это можно повторить.
Не ищите пресеты.
Лучше изучите фотошоп или лайтрум
В конечном итоге, вы потратите время на что-то более стоящее, чем на поиски пресета на один раз.
Тема авторской обработки объемна, и позже я напишу статью, посвященную ей.
Будут ли разоблачения и срыв покрова с тайны?
Несомненно.
Пока же, коль вы столько глубоко залезли по этой статье, рекомендую ознакомится с популярными ошибками обработки и съемки.
Статья продолжает тему обработки.
Где используется художественная обработка материалов
Художественная обработка материалов – это наука, которая изучает воздействие разными методами на изделия с целью улучшения их внешнего вида или реконструкции. Применяя разные методы, удастся нанести на изделия красивые орнаменты, памятные даты, важнее надписи, защитить их от негативных воздействий.
Благодаря художественной обработке товару можно придать презентабельный внешний вид, украсить его и сделать индивидуальным. Это целая наука, занимающаяся возделыванием разных материалов с целью их реставрации и улучшения внешнего вида. Готовые изделия можно использовать для разных целей: применять как домашний декор, носить в качестве ювелирных украшений, продавать на аукционах антикварные вещи в отличном состоянии.
Какие материалы применяют для обработки
Использовать для художественной обработки можно разные материалы, но самым частыми являются:
- золото;
- серебро;
- платина;
- медь;
- латунь;
- бронза;
- нейзильбер;
- мельхиор.
/84991eb516c5874.s.siteapi.org/img/4b9371cd6c7f04946efd5adafa6da878f99550ef.jpg)
Виды художественной обработки
Сферы применения художественной обработки зависит от вида работ. Ниже опишем, какими способами можно обрабатывать изделия:
Чеканка
При холодной обработке на рельефном изображении получаются узоры и красивые орнаменты. Метод основывается на ударах молотка по чекану или с использованием штампов. Чеканка может быть ручной или механической. Для этого метода обработки подходит листовой материал: золото, медь, серебро, алюминий.
Гравировка
Этот метод обработки еще с древних времен считается популярным. Его суть проста – на подготовленной поверхности вырезаются орнаменты и узоры. Для этого применяются штихеля.
Инкрустация
Этот метод художественной обработки применяется для выбивания на изделиях орнаментов или изображений. Используется он на любых материалах: медь, золото, бронза, серебро, кость, дерево. Рисунок наносится штихелями, которые делают углубления на материале.
Скань
Метод заключается в скручивании тонкой проволоки, которая впоследствии соединяется методом пайки.
Чаще всего такой метод используют для серебра и меди, редко для золота.
Эмалирование
Этот метод обработки тоже считается одним из древних, но для его воплощения в жизнь требуются художественные навыки, научиться этому мастерству за несколько раз не получится. Способ приготовления и состав эмалей в древности держались в секрете, сейчас же в этом не заключается тайны, но, как и прежде, метод подходит для профессионалов. Эмаль представляется собой быстроплавленое стекло. Преимущество этого метода в том, что можно использовать любые оттенки путем добавления в эмаль красителей. Эмали могут быть холодными, горячими, прозрачными, непрозрачными.
Чернение
Еще один метод художественной обработки материалов, который используется для улучшения внешнего вида изделий. Красиво смотрится обработка чернью на золотых, серебряных и медных изделиях.
Оксидирование
Этот метод используется больше не для декоративной, а защищающей функции. Его используют для борьбы с тусклостью на изделиях, например, на ложках.
Суть процедур проста: на изделия наносится защитный слой.
Гальваническое покрытие
Главная цель такого метода в придании изделиям привлекательного внешнего вида. За счет этого покрытия увеличиваются эксплуатационные характеристики изделия.
Художественная обработка материалов может использоваться в разных сферах, но чаще всего метод применяется в декоративных целях, что приводит к улучшению внешнего вида изделия. Нередко эти способы обработки используются и для производства ювелирных изделий, для этого хорошо зарекомендовал себя метод литье. Для создания украшений применяется золото и серебро, с другой целью отливают алюминий, цинк, чугун, бронзу. В зависимости от размера изделия отливка может выполняться в односторонних или двусторонних формах.
Оформить заказ.
Контакты
10 Художники делятся своим творческим процессом
Творческий процесс художника является одним из самых интригующих аспектов произведения искусства , поскольку у каждого художника есть свой уникальный подход к своей художественной практике.
Однако откуда берется творчество? Будь то лепка , рисование или рисование , их творческий процесс может происходить спонтанно или может быть подготовлен с помощью первоначальных эскизов и набросков. Творчество субъективно, глубоко личное, и иногда его трудно уловить на постоянной основе. Многие из них стимулируют свой творческий ум, гуляя, посещая музеи или читая!
В этой статье The Artling рассматривает 10 художников , которые разбирают свой творческий процесс и делятся тем, что их вдохновляет!
Дэниел О’Тул
Дэниел О’Тул — австралийский художник из Мельбурна. Он вдохновлен движением «Свет и пространство» 1960-х годов (Лос-Анджелес), и его работа расположена в постцифровых контекстах t современной Австралии.
«Меня привлекают иммерсивные работы, которые исследуют отношения между зрение и звук , видео работы, исследующие синестезию и явления природы , крупномасштабные картины которые кажутся всепоглощающими, но тонкими.
Фильмы, книги, музыка, поэзия, природа, искусство, танец, свет, цвет, запахи, вкусы, жизнь.» Он описывает свой творческий процесс как работу с различными медиа, чтобы понять, какая личная правда записана в коде, независимо от используемых материалов.
«Взаимосвязь между живописью и видео стала областью интересов, и мне нравится использовать пленку как метод создания изображений. Видеоработы являются исходным материалом для картин , которые часто размещаются за матовым экраном. »
Йорис Грааф
В своем цифровом фотоискусстве abstract визуальный художник-самоучка Йорис Грааф (Гаага, 1980) стремится создать напряжение, формируя синтез противоположностей: шума и мелодии, роста и распада. Его работа вдохновлена современная абстрактная живопись . Он очарован эмоциональной силой формы и цвета .
«Обычно я делаю фотографии сцен с многократной экспозицией, которые либо нахожу, либо создаю сам, используя всевозможные материалы, включая краски. Затем я обрабатываю эти изображения в программном пакете Lightroom».
Йорис использует свою камеру как инструмент для захвата текстур и структур либо из окружающего мира, либо из наборов красок и других материалов, которые он изготавливает специально для этой цели. Это сырые ингредиенты, которые он использует для создания своей работы в цифровой сфере.
» Движимая исключительно эмоциями, моя работа не предназначена для передачи каких-либо сообщений или историй. Своими изображениями я намереваюсь создать атмосферу и передать зрителю чувства и эмоции, которые я чувствовал во время их создания. »
Повторяющиеся стилистические элементы — использование измененной, минимальной цветовой палитры и взаимодействие порядка и хаоса, спонтанности и сдержанности.
Сумали Пиятисса
Сумали Пиятисса — художница из Коломбо, Шри-Ланка. Сумали — активный художник-самоучка, которая развивает свой собственный стиль, формирует собственную художественную идентичность и создает уникальные произведения искусства. Ей нравится экспериментировать с яркими цветовыми палитрами и различными материалами. Ее работы варьируются от классических масляных красок до спиртовых чернил и эпоксидных смол.
«Смешение цветов и игра с различными цветовыми палитрами будет моим основным стилем. В зависимости от моего настроения я буду использовать очень яркие оттенки или приглушенные оттенки. Я использую много сусального золота и золотой пыли. Это дает такой богатый закончить картину и как-то оживить ее.Каждая картина отличается, и я накладываю на нее текстуру и краски.Я использую мастихин для создания и определения картины .Это также один из моих любимых инструментов для использования вместе с веерной кистью».
Ее любимый художник — Ван Гог; Ей также нравится стиль Моне и использование цвета Климтом.
«Есть еще много талантливых художников , за которыми я также слежу в Интернете для вдохновения. Там так много талантов и так много всего, чему вы можете научиться.»
Надим Курани
Ливанский американский художник Надим Курани родился в 1965 году и провел свою юность в Бейруте, Ливан. Он пережил гражданскую войну в Ливане — тупой период балансирования между выживанием и творчеством. Его ранние годы были поглощены коллекционированием камней и окаменелостей, а также перерисовкой графики коробок с хлопьями.
«Я вижу и придаю значение самым простым и обыденным предметам .»
Его вдохновляют коммерческие продукты, поп культура, бруталистская архитектура, модернизм, минимализм и атрибуты матери-природы.
«Три слова, которые описывают мою работу: Жестокий, уравновешенный, пропорциональный »
Мим
Мим — французский художник, живущий в Париже. После изучения арт-рынка дизайн и современное искусство , он решил попробовать свои силы в коллаже . Мим черпает ресурсы из своих путешествий и многочисленных посещений подержанных библиотек. Он просматривает, исходит, просматривает, вырезает, обрезает, обрезает, прячет и склеивает лица и бюсты всех периодов времени, всех эпох.
«Я вырезаю предметы из подержанной старой книги, которую нахожу во время своих путешествий. Я смешиваю их с текстурами / реальными материалами, стараясь соблюдать пропорции, а затем добавляю синюю подпись в конце. Этот синий цвет — моя подпись и свидетельство сцены, которую я записываю на бумаге. Все эти коллажи уникальные изделия ручной работы без использования компьютера в процессе производства.
Тем не менее, я по-прежнему открыт для использования компьютера в зависимости от моих будущих проектов.» Самый важный инструмент при создании его работы – заботиться о пропорциях и сочетать цвета и текстуры.
Хайди Ланино
Хайди Ланино — выпускница Института Пратта в Бруклине, Нью-Йорк. Ланино учился рисунок , живопись , скульптура и эстамп. Она часто выставляется в США и за рубежом.
«Мои произведения выражают эмоции, душевное состояние или прошедший момент, наполняя линию, форму и фигуру, чтобы передать историю, часть; с началом, серединой и концом. Я запечатлеваю моменты своей жизни, или элементы из исторических картин , которые резонируют с нашим временем и помогают формировать наше будущее. Именно этот эмоциональный резонанс я использую в своей работе».
Сначала она рисует углем на бумаге или холсте; делать пометки, стирать, начинать заново и оставлять пометки.
Ее тянет к красоте в искусстве и к тому, как найти красоту в искусстве.
«Мой жизненный опыт, мои взаимодействия, увлечения, интересы, размышления — все это проявляется в моем художественном произведении и меняется со временем. Моя работа всегда была о том, как быть женщиной, и о том, как я себя чувствую в этом пространстве, мой личный отклик; переоценка и отзыв воспоминаний — вот что меня вдохновляет».
Эвелина Сковронска
Эвелина Сковронска — визуальный художник (родилась в 1980 году в Польше), в настоящее время живет и работает в Токио. Женское тело находится в центре внимания гравюр Эвелины и керамических скульптур. Она отказывается от показа его как конечного целого, вместо того, чтобы выражать его через ощущение пространства и текучести, создавая отчетливое видение женской телесности.
«Моя работа на грани фигурация и абстракция .
Я использую эстамп в качестве основного носителя. Гравюра имеет долгую историю и традицию, и, как средство, которое не является очень непосредственным и имеет довольно много ограничений, ее очень часто помещают в другую категорию, чем, например, изобразительное искусство. Вот почему мне очень интересно использовать традиционные материалы, такие как офорт или ксилография , работая над своим предметом. Я заинтересован в том, чтобы расширял границы этого носителя.» Исследуя основы цвета, формы, линий и негативного пространства, она сосредотачивается на эфемерных и невысказанных аспектах, используя комбинацию различных техник печати для создания уникального и мощного контраста. Исследуя взаимодействие между наготой и чувственностью, она создает образы на грани фигуративного и абстрактного .
Энди Янг
Энди Янг (р. 1973, Малайзия) — сингапурский художник.
Энди известен своими abstract визуальные и звуковые эксперименты. После первых нескольких первоначальных образных исследований Ян постепенно перешел в абстрактную плоскость. Он чувствовал, что это была самая плодородная почва для его художественных исследований, в основном из-за свободы, предоставленной ему в исследовании цветов и форм. Он поделился с нами своим творческим процессом:
.«Большую часть времени я брал идею или тему из коллекции из моего альбома для рисования. Грубые идеи, которые я записывал годами, ждали, когда я поработаю над ними. Я поработаю над ними некоторое время и посмотрю, они заслуживают внимания, прежде чем я посвящу больше времени их развитию».
Его самый важный инструмент при создании художественных работ – карандаш, переносной набор для акварели и альбом для зарисовок, чтобы записывать свои идеи на ходу.
Лали Торма
Лали Торма — немецкая художница из Берлина.
Ее вдохновляют природа, поверхности, узоры и легкое движение. Как только ее решения о цвете и отправной точке приняты, Лали работает, оставаясь в моменте, таким образом сохраняя связь с каждым элементом и этапом процесса.
«Я работаю большим пером каллиграфической ручкой , которая после тысяч линий стала продолжением моего тела. Это медитативное состояние, усиленное повторяющимися движениями, состояние простого спонтанного потока, в котором я исчезаю и пусть играют большие силы».
Некоторые художники, оказавшие влияние на ее творчество: Яёи Кусама, Ева Хессе, Агнес Мартин, Соль ле Витт, Герхард Рихтер, Джейсон Поллок и Марк Ротко.
Парк Йонгхо
Пак ЁнХо — южнокорейский художник по металлу. Он ищет гармонию металла и живописи и пытается сбалансировать обе среды. Для него металл является подходящим материалом для выражения его мыслей и чувств — он всегда пытается отразить свое вдохновение в различных металлических материалах.
«Я применяю металлоконструкции к картине . Таким образом, каждая работа по существу включает металл в качестве основного материала и сочетается с фактурной и цветной деревянной панелью. В зависимости от предмета я выбираю наиболее подходящий из различных видов металлы (сталь, нержавеющая сталь, алюминий). Уникальные трехмерные эффекты возникли благодаря гармонии металла и других материалов, таких как дерево, гипс».
Для ЁнХо самым важным инструментом при создании своих работ является металлическая проволока — для рисования линий и создания изображений. Техника гибки и сварочный аппарат необходимы.
Творческий процесс индивидуален для каждого художника, как видно из того, что эти художники поделили. У каждого из них есть свои уникальные способы выражения творчества через определенный носитель — будь то металл, каллиграфия, краски или гравюры, источник вдохновения — большая часть художественного процесса!
В Artling представлен широкий выбор художников со всего мира, и на сайт ежедневно добавляются новые работы.
Нажмите здесь, чтобы узнать больше!
Любые взгляды или мнения в публикации принадлежат исключительно авторам и не обязательно отражают точку зрения компании или участников.
Как создать и развить художественный процесс — Школьность | Онлайн-классы и курсы по искусству
Как художнику важно иметь надежный творческий процесс, который вы можете использовать в своей карьере и в своих художественных начинаниях. Выяснение этого процесса сформирует ваши навыки, добавляя больше инструментов к вашему поясу по мере того, как вы набираете новые вещи по пути. Но, в конечном счете, это сформирует ваш образ мышления и то, как вы будете вести весь творческий процесс, и вы разовьете навыки, на которые можно положиться и которые вы будете уверенно использовать на протяжении всей своей карьеры.
Чтобы найти то, что будет работать лучше всего для вас, важно задать себе следующие вопросы:
Что вы можете продолжать изучать и изучать, чтобы расширить свои навыки художника?
Как вы можете внедрить эти исследования в то, что вы делаете, чтобы создать сильный художественный процесс, который принесет вам творческую пользу?
Изучение, экспериментирование, обучение и любовь к тому, что вы делаете, являются ключевыми компонентами для создания процесса, который в конечном итоге будет работать лучше всего для вас.
Вы можете получить опыт и знания, которые помогут вам в создании прекрасного искусства и расширят ваши навыки на этом пути.
Шаг первый в разработке художественного творческого процесса: изучите
Когда вы приступаете к разработке художественного/творческого процесса, наиболее подходящего вам, самое полезное, что вы можете сделать, это изучить, как другие творческие люди реализуют свой собственный процесс. Понимая, как эти художники используют различные навыки и процветают в своем творчестве, они могут влиять и вдохновлять вас на то, как вы строите свой собственный процесс.
Поскольку эти творческие люди потратили много лет на разработку своих собственных уникальных способов ведения дел, важно, чтобы мы рассматривали это как основу для дальнейшего развития. Их знаний было достаточно, чтобы усовершенствовать процесс, который, по их мнению, является испытано и верно , что означает, что вам может быть полезно внедрить его в свой собственный процесс по-своему.
Вы можете углубиться в свои собственные исследования, просмотрев онлайн-курсы по искусству, творческие ресурсы или других художников, которые проложили путь. Изучение и получение знаний должно занимать большую часть вашего времени, так как для вас крайне важно понимать инструменты, необходимые для того, чтобы найти творческий процесс, который подходит именно вам. Эти инструменты подготовят вас к созданию художественного процесса, который усилит ваши увлечения и будущую карьеру.
Идеи для изучения искусства
Изучая голландский стиль живописи, созданный Йоханнесом Вермеером, вы можете получить пользу. Он популяризировал этот новый стиль, зародившийся в семнадцатом веке, освободившись от норм стиля барокко, характерного для того времени. Голландская живопись представила более реалистичный стиль, изображающий мир таким, какой он есть вокруг нас, и таким, каким мы его видим.
Еще одна вещь, которая может быть полезна для учебы, — это фламандский стиль живописи, созданный Яном Ван Эйком.
Этот тип живописи включал в себя влияние барокко, а также итальянские влияния и был сосредоточен на использовании масляных красок. Этот стиль живописи стал широко известен между пятнадцатым и семнадцатым веками и стал отличаться от других стилей, которые были популярны в других частях мира.
Изучение цветовой палитры Zorn, созданной Андерсом Цорном, также может быть полезным при изучении новых творческих процессов. Цорн создал для себя цветовую палитру, состоящую только из красной, желтой, черной и белой краски. Даже если это может показаться не так, эти 4 цвета при правильном смешивании могут дать широкий спектр цветов и оттенков. Вы можете получить теплые и холодные цвета с контрастом и тоном, которые можно использовать и по сей день для создания уникальных произведений искусства.
Существует много различных творческих влияний, от давних времен до наших дней, которые могут повлиять на вас и направить вас к сильному творческому процессу. Они вырвались из норм и создали то, что является основой искусства по сей день, и в результате их работы уникальны и выделяются в истории.
Руководящие принципы искусства скрыты в их работах, и их изучение может только развить навыки, которые вы изучаете.
Шаг второй: поэкспериментируйте с созданием художественного процесса
Когда вы не заняты исследованием и изучением художников, которые вас вдохновляют, потратьте время на эксперименты с этими инструментами и навыками. к вашей рутине. Найдите способы включить эти новые навыки, которые вы приобрели, в свои собственные методы, которые вы уже используете, и посмотрите, работают ли эти идеи вместе и подходят ли они вам творчески.
Начните применять новые методы и теории, которые вы изучили, к набору навыков, которые у вас уже есть, и комбинируйте эти инструменты, чтобы понять, какая комбинация лучше всего подходит для вашего творческого процесса.
Эксперименты могут помочь вам расширить свое художественное мышление и добавить к инструментам, которые вы уже используете, при разработке того, что работает для вас. Объедините навыки, которые у вас уже есть, и вещи, которым вы еще учитесь, чтобы разработать наиболее надежный план, в котором вы можете быть уверены.
У вас должны быть инструменты, методы и прочная основа для построения творческого процесса, чтобы произвести наибольший успех в вашем будущем. Очень важно расширять себя творчески.
Получение знаний и их важность при создании творческого процесса
Продолжая получать знания и узнавать новое, вы увеличиваете ценность своего текущего набора навыков и продолжаете развивать его. Постоянное самообразование является важной частью подхода к творческому процессу и его еще большего расширения.
То, что вы делаете и чему учитесь, построено на фундаменте, включающем в себя огромное количество знаний, которые изучались и совершенствовались годами, пока не попали в ваши руки. Творческий процесс основан на принципах и методах, проверенных всеми художниками. Процесс каждого художника будет выглядеть по-разному, потому что мы все вдохновляемся и влияем по-разному.
Вам может показаться, что пришло время, когда вы впитали достаточно знаний и вам больше не нужно продолжать учебу, но это только помешает вашему творческому росту.
Чтобы постоянно развиваться, вы должны учиться! Эти две вещи идут рука об руку. Потратьте время, чтобы отточить свой ум, потому что это ваш лучший инструмент!
Долгий путь после того, как вы разовьете свой творческий процесс
Когда вы, наконец, определите творческий процесс, который принесет наибольшую пользу вам как художнику, вашей карьере и будущему, которое ждет вас впереди, вскоре последует вознаграждение. Иногда это может быть сложно, когда вы пытаетесь понять, какой процесс кажется вам наиболее подходящим, но результаты, которые вы получите, в конечном итоге окупятся.
Это долгое путешествие, наполненное самопознанием, когда вы исследуете и изучаете новые вещи, но инструменты, которые вы будете использовать, и навыки, которые вы приобретете, всегда будут рядом с вами по мере вашего творческого роста. Хотя путь, по которому вы идете, может показаться долгим, это не означает, что вы не можете начать пожинать плоды открытия творческого процесса, который вы хотите использовать.
Используя новые навыки, вы быстро пожнете плоды своего путешествия. Вам не всегда нужно доходить до конца своего пути, чтобы получить ожидающие вас блага. Вы обнаружите, что эти награды ждут вас на этом пути, чтобы ободрить и мотивировать вас на пути к вашему будущему.
Разработка творческого художественного процесса, наиболее надежного для вас
Чтобы найти художественный процесс, который станет надежным и полезным для вашего будущего, вы должны предпринять необходимые шаги и найти путь к ожидающему вас путешествию.
Ваш творческий процесс жизненно важен для всего, что вы делаете и создаете. Это часть того, что определяет вас как художника и диктует, что вы делаете и как вы это делаете. Это фокус вашей карьеры, вашего набора навыков и того, как вы творите!
Изучая профессиональных художников и их влияние, вы найдете уникальный набор инструментов, которые вы сможете использовать и внедрить в свой собственный стиль. Подумайте о фразе «стоять на плечах гигантов» и посмотрите на вещи по-другому.